Archivos de la etiqueta: Butaca Violeta

Análisis de la cinta “Tenemos que hablar de Kevin” | Sobre los ROLES IMPUESTOS: madre-hijo

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Por Carmina Cardiel

 

Lionel Shriver, escritora de la controversial “Double Fault”, con su séptima novela “Tenemos que hablar de Kevin” –estrenada en los estantes de librerías hace veinte años–, el cine la llevó a la pantalla grande en 2011 bajo la dirección de la escocesa Lynne Ramsay quien, por su lado, es experta en llevar la literatura a la imagen cinematográfica para hacer explotar lo que no se dice con palabras, pero que es parte de la condición humana y, por tanto, sumamente complejo.

Ambas hicieron una buena mancuerna para tocar temas que son demasiado incómodos para un mundo en donde se espera que las mujeres seamos no solamente madres, sino las mejores madres y, en consecuencia, los hijos deberán ser dichosos y productivos ante un sistema que exige demasiado para realidades que no coinciden con lo esperado.

 

Kevin como constructo de identidad en la sociedad

 

Tenemos que hablar de Kevin es una trama muy cruda desde los ojos de una sociedad que impone la maternidad como una forma de realización femenina, como si ser madres leLeer más→

Análisis de la cinta “Nadie sabe” | Sobre las infancias como constructo olvidado de las sociedades modernas

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Por Carmina Cardiel

 

Hirokazu Kore-eda es un director japonés que se destaca por los temas profundamente sociales que acarician la condición humana con tal sutileza que puede proyectarlo en su filmografía, que también abarca cine documental. Y es que no está de más mencionar que el director, antes de hacer cine, quiso ser novelista. Quizás de ahí venga su naturalidad para contar y conmovernos con sus tramas.

En 2018 nos conmovió con la película “Manbiki Kazoku”/“Asuntos de familia”, misma con la que ganó el premio Palma de Oro en el Festival de Cannes de ese mismo año. La trama va de la configuración social de la familia no parental y tiene, como en casi todas sus cintas, esa arista desde donde se puede observar al mundo desde los ojos no solamente adultos, sino desde la mirada de las infancias. Si no la han visto aún, ampliamente les recomiendo que vayan a buscarla. Entre los títulos destacados de su largo trabajo podemos encontrar:

2023 – Monstruo, 2013 – Soshite Chichi ni Naru (De tal padre, tal hijo), 2011 – Kiseki (I wish; en español: Milagro), 2008 – Still Walking (Aruitemo aruitemo), 2004 – Nadie sabe (Nobody Knows) y, de este último título es del que platicaremos hoy en el análisis de #ButacaVioleta.

 

En medio de una isla tan grande como la Ciudad, nadie sabe

Nadie sabe narra una historia construida a partir de hechos reales ocurridos en el centro de Tokio, una de las ciudades más densamente pobladas del mundo, en un entorno donde paradójicamente reina la soledad. Desde el inicio de la trama el director no permite que te apartes de la vida de cuatro niños que viven ocultos en un pequeño apartamento de Tokio, abandonados gradualmente por la única persona a su cargo. La cinta aborda con sutileza y profundidad una problemática estructural: la invisibilidad de los más vulnerables dentro de sociedades urbanas modernas, aparentemente funcionales y desarrolladas.

Desde una mirada sociológica, la obra permite explorar la descomposición del núcleo familiar, la negligencia institucional, y la forma en que la exclusión social se manifiesta incluso en contextos de aparente prosperidad. Nadie sabe es un gran título para una historia que bien podría estar ocurriendo enfrente de tu casa, pero como prefieres no lidiar con, ni conocer a tus vecinos, puede que también seas parte de la indiferencia social que azota a nuestras sociedades actuales.

Los vecinos, la casera y los transeúntes no advierten la presencia ni Leer más→

Análisis de la cinta “Háblame” | Sobre el terror como metáfora de lo real

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Por Carmina Cardiel

Michael Philippou, Danny Philippou (2023)

Danny y Michael Philippou debutaron en 2022 con su primer largometraje “Talk to me”, luego de hacerse famosos por su trabajo como creadores de contenido y cineastas a través de su canal de YouTube RackaRacka, donde combinaban acción extrema, efectos especiales caseros y humor muy oscuro y violento. El canal se volvió viral por sus videos caóticos con personajes populares como Harry Potter o Ronald McDonald en contextos absurdos y violentos. “Háblame” está categorizada con la etiqueta de terror y recientemente se acaba de estrenar su segunda obra “Haz que se vayan”, de la cual hay muy buenos comentarios de la crítica y estamos esperando ver con ansias.

 

El horror como metáfora de lo real: La posesión

Hace casi un año, mientras escribía la reseña de “De noche con el diablo”, me preguntaba y me respondía algo que en mi pensamiento sigue vigente: ¿Por qué en México pareciera que ya no hay nada que nos asuste? ¿Qué esperamos del cine de terror contemporáneo? ¿Qué es el terror en México?

Entonces descubrí que México es el país que más cine de terror consume a nivel global, de acuerdo con Statista y su encuesta Donde el terror domina la pantalla 2023, realizada por Consumer Insights. La cinta de la que hoy vamos a platicar entra en este género tocando un problema social que en México duele quizás mucho más que en otros países en donde el uso lúdico de sustancias está regulado.

Talk to me/Háblame, de los hermanos australianos, nos lleva a la historia de terror que viven un grupo de amigos adolescentes que se encuentran en una de las etapas más difíciles de la vida: la búsqueda de identidad, la depresión, la presión social y su combinación con el uso de sustancias de forma lúdica.

Los directores se caracterizan por su visceralidad a la hora de contar sus historias, y en “Háblame” este rasgo no es diferente. La cinta establece una relación directa entre la posesión y sentirse “drogado”. Mia había visto a través de las redes sociales las fiestas de sus compañeritos del colegio, a las que nunca era invitada porque la encasillaban como “rara”, luego de una pérdida importante para ella. Cuando por fin logra estar en una de esas reuniones, ella experimenta euforia al utilizar el objeto central de dichas fiestas: una mano embalsamada que los pone en contacto directo con seres desencarnados, pero con pupilas dilatadas y comportamientos que evocan un estado alterado similar a “estar colocada”.

Estas reuniones en realidad son una especie de “rituales” con la mano, combinando risas, grabaciones móviles y aparente diversión, resaltando así el atractivo del “rush” inicial que muchas drogas recreativas ofrecen. Sin embargo, como en todo consumo, existen reglas y aquí la principal es no pasarse de los 90 segundos porque, si se supera ese límite, el espíritu podría quedarse permanentemente, algo que se compara con el riesgo de sobredosis y total adicción.

Mia encuentra en los rituales el alivio al dolor de su pérdida yLeer más→

Análisis de la cinta “Nomadland” | Sobre la romantización de la libertad y la condición de calle

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Por Carmina Cardiel

Al cruzar la frontera entre Colorado y Utah, vi a Dios en el cielo en forma de enormes nubes doradas que quemaban el sol sobre el desierto. Parecían señalarme con el dedo y decirme: “Pasa por aquí y sigue adelante, estás en el camino al cielo”.

Jack Kerouac, En el camino

 

 

Chloé Zhao es una directora china que en cada una de sus películas muestra una sensibilidad en sus tomas que con frecuencia son entornos naturales. El paisaje de sus cintas dejó de ser escenario para convertirse en el confesionario y fiel reflejo de las emociones de sus protagonistas. “Nomadland” se estrenó en 2021 y ganó 3 premios Óscar de 6 nominaciones, incluidas Mejor actriz y Mejor dirección. También alcanzó dos premios en los Golden Globe Awards como Mejor película dramática y Mejor director (Zhao), así como con cuatro Critics’ Choice Awards, Independent Spirit y BAFTAs.

Basada en el libro Nomadland: Surviving America in the Twenty-First Century escrito por Jessica Bruder, esta es la historia de los seres humanos que un día decidieron irse ya por convicción, ya para sanar alguna vivencia traumática o porque simplemente nunca sintieron pertenencia ni se identificaron con el sistema.

 

Romantizar la libertad

En 1957 Jack Korouac publica la novela “On the road” en donde el autor aborda temas sobre la libertad; sobre el rechazo al status quo; sobre la ansiedad existencial; sobre la búsqueda y el encuentro con una misma/o, la espiritualidad y, por sobre todo, la idea de que la carretera/el camino, es más importante que el destino:

“Nada detrás de mí, todo delante mío, como siempre ocurre en el camino.”

 

Aún en este siglo se puede escuchar a los neo-snobistas y remedos de hípsters hablar en cafecitos sobre este libro como si de oro molido se tratara. Claro, porque el llamado de la libertad siempre nos seduce a cierta edad (a algunas personas toda la vida), pero cuando alguien encuentra la libertad realmente, no es tan poético como en la novela del —por cierto— acomodado escritor norteamericano.

 Chloé Zhao y Kerouac tienen en común hablar de personajes fuera de las normas convencionales, la identiLeer más→

Análisis de la cinta “Arrugas” | Sobre la dignidad de la vejez

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Por Carmina Cardiel

 

Ignacio Ferreras (2011)

A pesar de que se puede contar con los dedos la filmografía de Ignacio Ferreras, director y guionista de origen argentino, a través de su cine nos ha llevado a explorar temas de los que casi a toda la gente le incomoda hablar: los preparativos para la muerte.

En 2002 vimos “Cómo afrontar la muerte” / How to cope with dead, un cortometraje que trata sobre cómo una anciana juguetea con la muerte a la hora que llega a visitarla. Intuyo que Ferreras se entusiasmó, así que más tarde profundizó en el tema con su ópera prima “Arrugas” (2011), con la cual ganó dos Premio Goya como Mejor película de animación y Mejor guion adaptado. Dicha cinta también fue nominada a premios como los Annie Awards y European Film Awards.

 

 

Emilio y Miguel como símbolo de rebeldía

Adaptada de la novela gráfica de Paco Roca, “Arrugas” nos cuenta la historia de cómo Emilio es recluido por sus hijos en un asilo, una vez que él ya no les es funcional y nadie quiere cuidarlo. Sí, así con esa crudeza inicia la película de la que hablaremos el día de hoy.

En medio de un viaje que nos lleva al silencioso deterioro de un cuerpo poseído por una enfeLeer más→

Análisis de la cinta “Un actor malo” | Sobre el pacto patriarcal en la violencia sexual

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Por Carmina Cardiel

  

Jorge Cuchí es un director mexicano que a través de sus películas ha toca temas sensibles como el suicidio, la violación y el abuso sexual. Es un director al que no se le da andar por las ramas a la hora de abordar estos temas en sus filmaciones.

“Un actor malo” es una película en donde el director sí tuvo la intención de hacer una denuncia sobre la violencia sexual dentro del cine, así que de esta película no podemos esperar metáforas ni líneas intelectuales a desentrañar. Sin embargo, antes de sentarnos a verla, tenemos como garantía que su película “50 o Dos ballenas se encuentran en la playa” fue galardonada con el premio Naguib Mahfouz al Mejor Guion en el Festival Internacional de Cine de El Cairo. Y bueno, entonces toca saber que la película que hoy toca ver se fue al Official Selection Competition Tallinn Black Nights Film Festival 2023.

 

 

Luces, cámara…

Se desconoce la vida personal de Cochí o sus intenciones al realizar un cine que siempre logra esconder el horror entre historias comunes dentro de la gran ciudad de México, y Un actor malo no dista de este sello. El director nos presenta un solo escenario, pero dentro de él un grave problema que es el que le da todas las incógnitas y no todas las respuestas a la trama: mientras se está rodando una película que está próxima a estrenarse con dos actores prometedores de la escena de la actuación, bajo el sello de un director y una productora de renombre, la actriz principal, Sandra Navarro, denuncia ante sus compañeras de vestuario y de producción que su compañero, el actor Daniel Zavala, la ha violado en escena.

De acuerdo con la definición del SESNSP, la violación consiste en realizar cópula con una persona de cualquier sexo, utilizando fuerza física, moral o psicológica, para lograr el sometimiento de quien es definido como la víctima. Para los efectos de este artículo, se entiende por cópula la introducción del miembro viril en el cuerpo de la víctima por vía vaginal, anal u oral, independientemente de su sexo (Artículo 265 del Código Penal Federal).Leer más→

Análisis de la cinta “Somos lo que hay” | Sobre prácticas antropófagas en México

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Por Carmina Cardiel

  

Jorge Michel Grau (2010)

Jorge Michel Grau es un escritor, productor y director mexicano dedicado al suspenso y también a la docencia en la UNAM. Es director de los cortometrajes “Ya ni Pedro Pablo”, “Mi hermano”, “Kaliman” y “Más bonita que tú”. Su obra más reciente es la película “Perdida” que es un remake colombiano, pero su ópera prima, con la que ganó el Premio Especial del Jurado Hugo de Plata en la competencia internacional del Festival Internacional de Cine de Chicago, misma que fue seleccionada para competir en la Quincena de Realizadores del Festival de Cine de Cannes en 2010, “Somos lo que hay”, es de la que hablaremos en esta ocasión para tocar un tema especialmente horroroso y vigente.

 

El canibalismo en el México antiguo:

El pozole es un platillo que representa no sólo las fiestas patrias, sino la mexicanidad que logró sobrevivir a través de la gastronomía, muy a pesar del colonialismo y el genocidio consumado por el occidente en la entonces Mesoamérica. Algunos antropólogos cuentan que este platillo se describe en el Códice Florentino de Bernardino de Sahagún (s. XVI). El maíz, al ser una planta sagrada para los mesoamericanos, se consumía en ocasiones especiales y siempre dentro de ceremonias marcadas como muy específicas para los guerreros aztecas; sin embargo, solamente sacerdotes y guerreros de alto rango eran quienes lo consumían a modo de gratitud y sacrificio para las deidades.

Se ofrecía el corazón de las personas en sacrificio que, casi siempre, eran guerreros prisioneros y los restos del cuerpo se cocinaban con el maíz, lo que significa que aquí no existía el canibalismo como señalaron los invasores, sino que se trataba más bien de una costumbre ceremonial. AlgunasLeer más→

Análisis de la cinta “Los insólitos peces gato” | Sobre las enfermedades terminales y los cuidados

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Por Carmina Cardiel 

 

Los suspiros son señal de que necesitas un poco más de aire para respirar
De los problemas no se puede escapar, hay que enfrentarlos siempre
Los domingos por la tarde no son tan feos como crees
 

 

Claudia Sainte-Luce (2013)

El cuidado de enfermas terminales es una problemática que invisibiliza el desgaste emocional y físico de quienes lo llevan a cabo, en su mayoría, mujeres. La cineasta veracruzana Claudia Sainte–Luce, retrata con mucha sensibilidad el viacrucis que Martha y sus hijos recorren antes de que todo se convierta en cenizas. Los insólitos peces gato (2013) es el largometraje con el que la directora mexicana se dio a conocer luego de siete nominaciones al Ariel y un premio del jurado en Locarno. Esta cinta evoca la densa atmósfera que afrontan las personas con enfermedades terminales y los familiares que les cuidan.

 

Las mujeres como cuidadoras en México:

La cineasta mexicana se ha caracterizado a lo largo de su carrera por tocar temas social y moralmente incómodos como en La caja vacía (2016), que es una obra más bien personal en donde se habla de un reencuentro y sobre la demencia senil; El camino de Sol (2021), que toca el tema del secuestro cuando no se tienen los recursos para pagar un rescate; o El reino de Dios (2022) que nos muestra a un niño cuestionando a Dios y, finalmente el año pasado estrenó Amor y Matemáticas para hablar sobre el fracaso.

En “Los insólitos peces gato” la joven directora nos va narrando sin enunciados tan elaborados la problemática a la que se enfrentan Martha y su familia poniendo casi de inicio el contexto social: Padre ausente, enfermedad terminal, la fuga de realidades, la frustración y el dolor. Pero también rescata la luminosidad que trae consigo el humor, el cariño, la comprensión y el acompañamiento en este tipo de situaciones. Claudia es simbólicamente uno de los personajes más importantes en toda la trama porque sutilmente va develando a cada uno a partir de su interacción con esta familia que, por azar o quizás por necesidad, la acoge y ella se integra muy bien, pues hay algo que sí comparten todos los personajes: la enfermedad y el sentimiento de soledad.

En México, de acuerdo con datos de la Encuesta de Estadística de Defunciones registradas 2023, el 80% de muertes en el país se deben a enfermedades no transmisibles; sin embargo, en esta cinta se habla de un tema que recientemente está en el ojo de la sociedad mexicana por el supuesto incremento de casos registrados en el país. Y es que Martha nos cuenta cómo pasa de una vida sana a un suplicio, debido a las infidelidades de su marido. Pero jamás vemos a un personaje enfrascado en la autocompasión y la revictimización, pues Martha es una mujer fuerte que a pesar de la terrible enfermedad que está minando su vida, no se olvida de que es madre y casi toda la película va de los roles de cuidado no sólo hacia ella por su condición, sino de todos los miembros de la familia que, a su modo, también están afrontando la enfermedad con la que conviven ellos y su madre.  La madurez con la que cuenta cada una de las hijas y la propia Claudia, va marcLeer más→

Análisis de la cinta “Memorias de un caracol” | Sobre el sentimiento de la soledad

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Por Carmina Cardiel

 

 

La soledad es independencia, yo la había deseado

y me la había ganado a través de largos años. Era fría, es cierto,

pero también era tranquila, maravillosamente tranquila y grande,

como el tranquilo espacio frío en el que se mueven las estrellas

― Hermann Hesse, en “El lobo estepario”

 

Adam Elliot (2024)

Después de quince años, el director de “Mary y Max”, Adam Elliot, nos vuelve a sumergir en una trama de escenarios muy oscuros con tintes de depresión, soledad, problemas sociales como el alcoholismo, el bullying, el abuso y la amistad entre personas muy jóvenes con adultos, que parecen ser los ejes de sus animaciones para mostrar realidades que alcanzan a chicos y grandes.

 

Memorias de un caracol es una tragicomedia que tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy el 10 de junio de 2024, pero fue estrenada en Australia por Madman Entertainment el 17 de octubre del mismo año. Recibió la nominación a Mejor Película de Animación en los 97.º Premios de la Academia, la segunda película animada con clasificación R (como La Pasión de Cristo de Mel Gibson) en ser nominada después de Anomalisa (2015), otra película stop-motion. Curiosamente la clasificación R en Estados Unidos significa que no pueden verla menores de 17 años sin la supervisión de un adulto, aunque en México la clasificaron con categoría B, por lo que, cabe destacar que ésta no una película para las infancias, debido a los temas que trata.

 

La soledad como condición humana:

Distintos filósofos de distintas épocas han tratado de darle un significado al sentimiento de la soledad, pero para los existencialistas es una condición humana de la existencia; es decir, cada persona vive en un cuerpo separado de los demás dentro de los cuales existen mentes que son únicas e irrepetibles. Como una experiencia, la Soledad Existencial, tiene un componente emocional y otro cognitivo relacionado con la toma de conciencia de la propia finitud. Como un proceso de crecimiento interior, la experiencia negativa de la naturaleza solitaria del ser humano es transformada en una experiencia positiva. Por lo que la soledad sería una forma de angustia de separación que aparece cuando no se satisfacen las necesidades de apego.

 

Grace y Gilbert Pudel son un par de hermanos gemelos cuya madre perece en el parto y quedan al cuidado de su padre, quien es un alcohólico parapléjico que de joven fue artista circense. Ellos no salen de casa ni viven rodeados de más lujos que sus preciados libros, los juegos y la compañía que se hacen entre los tres. Un buen día su vida da un giro de 360° y son separados, Gilbert es adoptado por una familia de granjeros puristas en donde es explotado, mientras que Grace es adoptada por una familia exhibicionista de swingers que le dan todo económicamente, pero no lLeer más→

Análisis de la cinta Heroico | Sobre el ejercicio del poder y la violencia en la milicia

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Por Carmina Cardiel

 

 

“«La guerra es de vital importancia para el Estado;

es el dominio de la vida o de la muerte,

el camino hacia la supervivencia

o la pérdida del Imperio».”

Sun Tzu en “El arte de la guerra”

 

David Zonana (2023)

David Zonana pertenece al gremio de directores jóvenes de cine mexicano y ha estrenado sus películas en varios festivales internacionales de cine, incluidos los de Berlín, Sundance Film Festival, San Sebastián, Toronto y Morelia. Ganó en 2020 el Ariel a Mejor Ópera Prima por su película “Mano de Obra”. Pero por su segunda película “Heroico”, que trata sobre el proceso de entrenamiento de los reclutas del Ejército Mexicano, recibió 11 nominaciones a los Premios Ariel incluyendo mejor película, mejor director y mejor guion original.

 

La milicia en México:

Para la sociedad mexicana, El ejército es un ente que desata sentimientos encontrados que atraviesan la memoria de los más viejos como un símbolo de heroísmo por la nostalgia de una revolución a medias que prometió un cambio social que seguimos esperando, pero también atraviesa la mente de mis contemporáneas/os como símbolo de desaparición forzada por los hechos consumados en Iguala, en donde 43 jóvenes normalistas siguen desaparecidos desde 2014. Ambas situaciones nos arrastran a un imaginario bifurcado entre el nacionalismo y la desconfianza.

Como se revisó en la columna de la quincena anterior, el Estado es la fuente de la legitimidad del uso de la violencia. La policía y los militares son sus principales instrumentos, de acuerdo con el sociólogo Max Weber. La violencia por parte del Estado es legítima en tanto corresponde a mantener el orden social dentro de un territorio y está legitimado. Pero ¿qué ocurre cuando la legitimidad de la violencia traspasa la delgada línea entre el orden social, la impunidad y abuso del poder?

“Heroico” nos muestra el contexto en el que los jóvenes aspirantes a la milicia en México se enfrentan con una estructura rígida en donde lo que importa no es aprender a amar la patria (que finalmente es un invento); al país que tendrían que defender o a su cultura, ni siquiera al Estado, sino que sobrevivir en medio de una guerra en donde no participan otros países, es crucial para hacerse de respeto y, sobre todo, resguardar la propia vida (y mejor ni hablar de la salud/estabilidad mental).

Luis es un joven que decide seguir los pLeer más→