I´M Thinking On Ending Things: La Mente Fugada Del Miedo A Perder

Por Sergio E. Cerecedo

 

De decir verdades personales sin llegar al chisme, el culto por Charlie Kaufman es algo que conozco desde que empecé a leer sobre cine; los medios se deshacían en elogios por el entonces sólo guionista y productor, que empezó escribiendo para Sitcoms y luego brincó a un estilo más experimental, que también ha llevado al extremo en sus películas como director. En los trabajos donde su pluma hace de las suyas podemos ver como temas y obsesiones constantes el rompimiento de las relaciones de pareja y la vida posterior a ella; los recovecos del inconsciente y cómo seres con existencias que no les satisfacen se ven envueltos en realidades alternas, posibilidades de borrar personas de su memoria y el eterno tema de la soledad humana como cruz y maldición, único camino de vida en algunos casos.

 

Charlie Kaufman (2020)

¿Azotado? Sí ¿Aburrido?, como todo, depende de nuestros gustos. En mi caso diría que no, salvo algunos momentos de sus películas donde su experimentación en el guion se torna en un camino un poco plano en la dirección, como sucede quizá en la primera media hora de esta película, I´M Thinking On Ending Things, sin que eso le quite lo interesante ni que nosotros, aunque no nos guste ese estilo, dejemos de ver como algo intencional para sentir la película como la conciben sus creadores.

 

El título se refiere a la intención de la protagonista, una mujer envuelta desde poco menos de dos meses en una relación con un hombre culto y atento, Leer más

Análisis de la cinta “Corina” | Sobre El Miedo

Por Carmina Cardiel

 

Corina es la ópera prima de la cineasta mexicana Urzula Barba: directora, editora, guionista y productora mexicana. Ha participado como editora en largometrajes como “Abel” (2010), “El hoyo en la cerca” (2021), “El grosor del polvo” (2022) y “El ladrón de perros” (2024), entre otros. Con esta película ganó en la categoría Hecho en Jalisco, el premio al Mejor largometraje jalisciense en la edición 39 del Festival Internacional de Cine de Guadalajara.

Es autora de los cortos: “Camila” (2018) y “Quiero” (2017), en donde encontramos personajes que tienen dos cosas en común:

  1. Los protagonistas son infantes o tuvieron algún trauma marcado y heredado durante la infancia.
  2. Los personajes tienen una madre que parece ser la raíz de trastornos como la depresión, la frustración y la ansiedad.

 

La romanización de la ansiedad.

Hay algo que me ha llamado mucho la atención en torno a “Corina”, y es que en casi todas las sinopsis y recomendaciones que encontramos en inteLeer más

La portera ardiente: Oye mi lengua tumbadora

Por Sergio E. Cerecedo

 

El mayor arrepentimiento que tendré en mucho tiempo, aunque parezca capricho, es no haberle hecho caso a mi primo cuando insistía en que tomara los talleres de la reina del albur, Lourdes Ruiz, una señora que vivía en Tepito y que ahora ya no está en este mundo. Y es que las palabras, su uso e importancia, es un aspecto que mueve mi vida y que me acercó a múltiples lenguajes, entre ellos el cinematográfico. Esa importancia de las palabras como elementos significantes ya sea siguiendo las reglas o rompiéndolas, las encontramos en el cine desde las películas que incluyen en su elenco a gente del teatro Británico, a poetas o músicos actuando o a gente común que tiene un uso muy particular de las palabras y sus múltiples acepciones, esto es lo que sucede en la sexicomedia ochentera.

 

Ya lejos de las ficheras, muchas de las películas de finales de la década muestran cierto cansancio en la fórmula y al que era fan empedernido poco ya le sorprenden. Puede que esta película tampoco le haga mucha gracia a la mayoría del público, pero me parece que si es un gran divertimento es por su medianamente lograda inversión de roles, en el sentido de que aquí la protagonista es una persona que no destaca por su belleza despampanante ni por lo que el mentiroso título nos incita a pensar, sino por su colmillo, buen corazón y por ponérsele al tú por tú a los hombres en cuanto a las palabras —casi siempre ella es quien inicia las leperadas y los albures—, aunque para satisfacción de la banda no deja de tener encueradas y una gran cantidad de risas que por supuesto el público seguía buscando para huir de los terribles sexenios que habían precedido y de lo que estaba por venir, cosa quLeer más

The secret of Roan Inish : leyendas familiares en close up

Por Sergio E. Cerecedo

 

El mar y la historia familiar son dos territorios que pueden ser tan hermosos y sustanciosos, como grandes contenedores de secretos, peligros y, a su vez, englobar ambas en cada capa subyacente a la masa marina que vemos desde la tierra. Hoy que Amazon Prime incluye una versión remasterizada en su catálogo, vale la pena sacar a la luz este viaje íntimo rodeado de mitología ancestral y sabiduría, cortesía de un director sabio y observador, cuyo trabajo da gusto ver en el catálogo de amazon.

 

John Sayles (1994)

John Sayles, quien empezó como guionista de películas de serie B, siempre gustó de observar la profundidad de la sociedad de los Estados Unidos, aunado a esto  sus inquietudes suelen girar alrededor de temas como la migración, la identidad de los pueblos —especialmente los fronterizos—, la clase trabajadora, el pasado de las familias, y la organización social de la gente dedicada a ciertos gremios y oficios. También ha plasmado estos temas en algunas novelas, en “Los Gusanos” aborda el tema de los cubanos viviendo en el país del norte, por ejemplo. Aunque las últimas dos décadas no le sentaron bien y hoy se encuentra en el semi retiro, cabe destacar que su última colaboración como guionista fue coescribir con Alejandro Springall el guion de “Sonora”, cinta nacional también de temática fronteriza. En la obra que hoy nos ocupa, Sayles abarcó todos sus temas de interés con un trasfondo mitológico bastante bien logrado y ubicado en los ojos de un personaje que, con entusiasmo infantil también escLeer más

Análisis de la cinta “Un hombre diferente” (2024) 

Sobre el “humor negro” y sus expectativas intelectuales

 

Por Carmina Cardiel

 

Aaron Schimberg (2024)

Me llama mucho la atención lo que en la pantalla grande se está haciendo con el body horror: es una película de humor negro, apunta la sinopsis de todas y cada una de las cintas que haya visto en su género: “Pieles”, “Dos”, “Enferma de mí”, “La substancia”, “Un hombre diferente”, entre otras. Pero es aquí donde cabría preguntarnos ¿Por qué satirizamos todo aquello que nos resulta incómodo?

Un hombre diferente de Aaron Schimberg le da un giro a las últimas cintas que por acá hemos revisado en el género de body horror, pues a diferencia de “La Substancia” o “Enferma de mí”, el protagonista es un varón a quien se le da vida desde el ojo de otro varón, y ya desde ahí la narrativa cambia completamente.

 

El humor negro desde la psique humana

 

Se ha estudiado a fondo desde la Psicología y se ha sugerido que el humor negro puede ser un mecanismo de defensa psicológico, permitiendo así a las personas lidiar con situaciones difíciles de una manera menos angustiante; sin embargo, también se ha planteado la preocupación de que el humor negro pueda perpetrar estereotipos negativos o trivializar experiencias dolorosas. En este sentido es que se puede profundizar en un debate sobre cómo el contexto y la audiencia influyen en la percepción del humor negro.

Desde esta definición es donde me pregunto en tanto al body horror: ¿Qué nos puede divertir al ver a una mujer que no se siente a gusto con su cuerpo y su apariencia llegandLeer más

El poder del perro : ¿qué significa ser el más fuerte?

 Por Sergio E. Cerecedo

 

Jane Campion es una directora que sigo desde hace tiempo, aunque filme muy poco en los últimos años y sea constantemente arriesgada en sus búsquedas así como irregular en sus resultados, su deseo de que sus dramas internos se vuelvan thrillers de búsquedas de identidad tanto social como sexual o étnica me resulta una necedad que llama mi atención. En los padeceres humanos de sus personajes me encuentro siempre con esa otra necesidad imperante: evadir el melodrama y mostrar las verdaderas y viscerales caras de los caracteres femeninos, protagonistas de todas sus películas anteriores. Es de esas autoras siempre citadas en los artículos sobre mujeres dirigiendo en pos de esa igualdad que difícilmente se visualizaba en los ochentas y noventas cuanto estrenaba sus primeras películas.

 

Jane Campion (2021)

En la temporada de premios del 2022 pude darme un chapuzón en las opiniones y encontré  todo el enojo que se produjo al promocionarse como un western cuando de eso, según los detractores, tiene la ambientación geográfica y, eso sí, una confrontación no solo entre protagonistas, si no una deconstrucción de lo que tiene que ver con esos tópicos, aunque el final no satisfaga a muchas personas.

 

Ese enfrentamiento es psicológico y a menudo invisible, desdibujando el carácter de enemigos o adversarios que muchos podemos llegar a creer porque la película nos despista, y en ese despiste es donde quien no esté acostumbrado al ritmo puede desinteresarse. Sí, es un producto que intenta ser más cerebral que emocional, para bien y para mal, no entiende de medias tintas pero tampoco de indiferencia, por ello a continuación abordamos esas contradicciones.

 

En los años 20, antes de la gran depresión, Phil Burbank, un ganadero de una familia rica de Montana, macho, prepotente y mandón en contraste con su hermano George, empático y considerado pero muy intimidado por Phil, incapaz de hacerle un frente verdadero para equilibrar las cosas; deambula junto a su hermano los desiertos negociando con sus vacas y con sus propios caracteres.

 

Muchas cosas cambian cuando George se acerca más a Rose, madre soltera y duela de una posada comedor, y a su hijo Peter, un joven con deseos de ser doctor a quien los vaqueros molestan por sus modales afeminados. La llegada de Rose a la casa de los Burbank es un detonante para el afáLeer más

Análisis de la cinta Enferma de mí (2022)

 Sobre el narcisismo y los trastornos mentales en la Modernidad

Por Carmina Cardiel

 

Intenta entender el ego. Analízalo, disecciónalo, míralo, obsérvalo,

desde todos los ángulos posibles. Y no tengas prisa por sacrificarlo,

de otra manera nace el mayor egoísmo:

El de la persona que piensa que es humilde,

la persona que piensa que no tiene ego.

–Osho

 

El horror de la fama en la modernidad

El género de body horror está ganando lugar en la pantalla grande en los últimos años a través de historias que nos muestran el lado más oscuro y enfermo de la humanidad a partir de la falsa posibilidad de conseguir o conservar la fama y/o atención de los demás a costa de lo que sea, aunque ésta sea efímera.

Enferma de mí (2022, Noruega) es el segundo largometraje del director noruego Kristoffer Borgli, quien nos lleva con un humor muy negro a una historia que, lamentablemente, cada día es más común entre quienes atrapados en el efecto post-pandemia, se han convertido en esclavos de las pantallas celulares.

Signe y Thomas son una pareja que compite por la atención de la gente que les rodea. Él es un snobista cuya fama está en ascenso en la escena del arte, mientras ella trabaja como gerente en una cafetería y se siente opacada por su pareja. Evidentemente ninguno de los dos es estable mentalmente, ya que desde el inicio el director nos deja ver que la trama va de dos narcisistas que, entre la mitomanía y la cleptomanía, son arrastrados a un destino fatídico.

 

El efecto de las pantallas en la Modernidad 

Ray Bradbury, novelista visionario distópico de su época, escribió en 1952 Farenheit 451° para señalar que las pantallas distraían a las personas de los problemas y la tristeza,Leer más

First cow: sutileza para contar la confrontación

Por Sergio E. Cerecedo

 

En una revista de cine que leí entre los 14 y 17 años había una columna dedicada al Cine Mexicano y sus procesos —recordemos que en el 2004 la industria se hallaba en una reestructuración—, la directora y guionista Patricia Arriaga Jordán aprovechó el espacio para emitir su opinión de la mirada que se pierde ante la poca inclusión de las historias contadas por las mujeres, mencionaba, aunque no recuerdo las palabras exactas pero sí la intención de no generalizar pero dar un panorama de ese sentir, que en las narrativas cinematográficas  los hombres contaban el miedo a la muerte y la lucha por la vida a través de balas y de si el bueno o el malo disparan o no disparan; mientras que el sentir de la mirada femenina iba más hacia la pérdida del aliento, por la enfermedad, la intoxicación o la misma violencia, si un ser respira o no respira, argumentaba Arriaga, era un hecho de igual o mayor tensión que el antes mencionado, recordando que todo éstos son concepciones aprendidas y construcciones sociales que nos han hecho creer sobre lo que es inherente de cada género, y se convierten en constantes en la actitud de los individuos.

 

Kelly Reichardt (2019)

  Nos llega ahora una película aclamada entre la crítica estadounidense y de corte independiente, con una hechura a base de poco presupuesto, pero cuya técnica resulta necesaria y con muchas intenciones, lo cual me hizo recordar las palabras de la cineasta, sobre todo por la fineza desde la concepción de los hechos contados, recalcando que el western, al menos en mi experiencia personal, es Leer más

Análisis de la cinta El Eco (2023) | Sobre la ruralidad en México

Por Carmina Cardiel

 

El Eco (2023, México) participó en la Sección de Documental Mexicano del 21° Festival Internacional de Cine de Morelia y es parte de la sección Encounters del 73° Festival Internacional de Cine de Berlín. Y es que esta cinta es Poesía pura en toda la expresión que abarca esa palabra.

Tatiana Huezo se especializa en el cine documental y cortometraje, aunque en 2021 nos sorprendió con “Noche de Fuego” en la plataforma más popular de Latinoamérica. Desde 2011 el trabajo de la Directora nos muestra las vicisitudes que afrontan las personas en América Latina, principalmente en El Salvador y México. Retrata la impunidad de la forma más humanizada que se haya podido ver en la pantalla grande, sin caer en el amarillismo ni en lo mágico-surrealista, como otras cintas que recientemente hemos visto: Sanctorum, por ejemplo (según las críticas).

Pero en esta ocasión, Huezo intentó llevarnos de la mano a un experimento que pensó por un momento que no lograría, pues, como ella misma lo menciona en una de sus entreviLeer más

El escapulario: el volado entre la fe y la suerte

Por Sergio E. Cerecedo

 

La cinematografía mexicana a través de los tiempos ha tenido una identidad propia que conocemos a través de lo más popular, que es la llamada época de oro, los charros y mariachis, las temáticas de rancho y el cambio del campo a la ciudad, las actrices y actores que cantaban en muchas escenas y, por supuesto, el núcleo familiar con personajes pintorescos y las historias con las que todos podemos identificarnos.

 

Sin embargo, siempre hubo otras voces que no se escucharon tanto como las de géneros como el terror y la fantasía. Muchas percepciones de este género y de los tintes surrealistas que nuestro país siempre ha tenido cambiaron con la obra que Luis Buñuel realizó en México durante los años 40´s y 50´s. De ahí que el cine nacional posterior, y tardíamente simultáneo a su carrera en el país, tiene numerosos atrevimientos que antes del genio de Calanda no hubieran sido posibles

 

Uno de esos cineastas en quien se notan las ganas de hacer algo distinto y la influencia de lo europeo en aras de incorporar de manera más creativa el lenguaje cinematográfico es Servando González, quien fue una figura muy pegada a la T.V. pública durante la década de los 60´s y 70´s, y el carácter institucional de mucho de su trabajo que no es de ficción hace que no se le tenga en tan buena consideración a nivel personal, social y político. Sin embargo, se trata de una figura que filmaba con un equipo de colaboradoreLeer más